¿ES PERIODISMO UNA FOTO EN HDR?

Hola a todos.

Ayer pude ver un artículo en una revista que ha salido nueva y que podéis visitar en http://paper.li/fotodng/1313880854 y escrito por Ramón Peco que nos puede hacer pensar a muchos, sobre todo a aquellos que venimos o hemos pasado por la fotografía de prensa. Aquí lo reproduzco.

¿Es lícito usar una fotografía HDR para fines periodísticos? ¿Se trata de una manipulación o es sólo edición? La polémica la sirvió caliente y en bandeja hace unos días el histórico rotativo The Washington Post tras colocar en su portada una imagen realizada con esta técnica, consistente en fusionar varias tomas de una misma escena para mejorar el rango dinámico final. Es el flashazo destacado de una semana en la que también hemos visto en color algunas fotografías de antaño realizadas en blanco y negro.

El hundimiento del Costa Concordia visto desde el espacio. El trágico naufragio en aguas italianas del crucero Costa Concordia está copando las páginas de la prensa. Entre las muchas fotos del accidente que han aparecido en los medios, nos ha llamado la atención una imagen captada por satélite y publicada en la web de la BBC.

Ramón Peco

CONSTRUYE UN SOFTBOX O CAJA DE LUZ

Bueno, hoy no lo quiero hacer muy extenso. Simplemente voy a mostraros un vídeo de la construcción de una caja de luz (en español) o una SOFTBOX, (en inglés). Ahí va eso!!!

Otra de ESTUDIO

Un esquema básico de iluminación para fotografía de estudio comparte muchas características con la disposición de lámpara para televisión o cine, ya que la imagen en movimiento heredó estas técnicas de la fotografía, que a su vez las tomó de la pintura y el teatro. Esta es la razón por la que, al igual que en televisión, la iluminación básica para fotografía consta de tres elementos, que son los siguientes:

1. Luz principal Es la lámpara más potente, y en fotografía casi siempre se usa con difusores para hacerla más suave; es decir, para evitar sombras y brillos fuertes. Cuando decimos que la fotografía hereda esquemas de iluminación de la pintura, es imposible olvidar la luz Rembrandt, que describe la ubicación clásica de la luz principal. Según esta regla, la lámpara debe estar a45 grados en horizontal y 45 grados en vertical con respecto al sujeto.
2. Luz de relleno Es una luz de menor intensidad que la principal, y con igual o mayor difuminado, de modo que sea lo más suave posible. Su función es la de eliminar las zonas de penumbra originadas por la intensidad de la luz principal. En realidad, muchos fotógrafos no utilizan otra lámpara para esto, si no que colocan alguna superficie refractante, es decir un rebote, al otro lado del sujeto. Pero este método solo sirve para planos muy cerrados, ya que es efectivo a unos pocos centímetros.
3. Luz de fondo Es una luz de mediana intensidad, que se focaliza y apunta al fondo del encuadre a través de la adición de algún accesorio de iluminación como pantallas de bloqueo o un cono o snoot. Su función es la de compensar la iluminación en la zona de primer plano, de modo que el fondo no se vea demasiado oscuro.

En eso consiste un esquema básico de iluminación de fotografía de estudio. Ahora, hay cientos de variaciones posibles, y cada fotógrafo tiene sus favoritas, al punto que se vuelven casi firmas personales. A continuación, dejamos una lista de las más usuales:

• Agregar una luz cenital. Una lámpara que desde arriba, apunte directamente a la parte superior del sujeto. Suele utilizarse en la fotografía de retrato, sobre todo con modelos femeninas, ya que aporta brillo al cabello largo. Potencia media-baja, sin difusores, y si es posible con un snoot. El resultado debería ser muy bueno.
• Utilizar una sola luz, Como para emular completamente a Rembrandt y dejar la mitad del sujeto en las sombras. Si el fondo es también oscuro, estaríamos hablando de fotografía en clave baja, en la que predomina la sombra. Por lo general crea un efecto bastante dramático, sobre todo si la luz se focaliza y/o se desplaza hacia arriba o hacia abajo, de forma que crea sombras alargadas.
• Usar dos luces de igual intensidad, o lo que es igual, usar dos luces principales, una a cada lado del sujeto. Esto no es aconsejable al hacer retratos, ya que la ausencia de sombras hace que el rostro se vea plano. Sin embargo, bien manejado, es un recurso indispensable para la fotografía de productos.
• Que la luz principal sea frontal Aunque las fotos tomadas con los flashes internos de las cámaras son el horror de todo fotógrafo de estudio que se respete, este tipo de luz puede resultar interesante. Poco difuminada, como con un difusor de flash de zapata o un beauty dish, se consigue un contraste alto. Además, esa posición de la luz nos hace pensar en fotos improvisadas, espontáneas y hasta cierto punto no consentidas. Es un recurso muy usado en moda.
  Fer Barranzuela

FOTOGRAFÍA DE ESTUDIO

 Aunque el tema es muy amplio, en este post intentaremos cubrir los aspectos más básicos, y los ampliaremos en otras entradas de acuerdo a sus preguntas y comentarios. Comenzaremos con las cinco cosas esenciales:

*1. Consigue un espacio: Obivio, ¿no? Para comenzar a hacer fotografía de estudio necesitas un estudio. Pero no tiene que ser un piso completo y pintado de blanco y perfectamente iluminado. Cualquier espacio con una pared de 3 o 4 metros de ancho y unos 5 metros despejados frente a ella será suficiente para comenzar. Lo importante es que lo designes como tu espacio de trabajo y lo respetes. Tener un espacio exclusivo para ese uso sería lo ideal, pero siempre puedes usar la pared de tu habitación o la sala, y montar y desmontar el estudio cuando sea necesario. Ten en cuenta que aunque no es necesario llevar tu estudio a cada encargo, siempre es bueno tener algunos accesorios portátiles por si debemos hacer sesionesen exteriores o locaciones especiales.

*2. Necesitas buenos lentes, porque la fotografía de estudio se trata de captar todo el detalle posible para hacer ampliaciones o catálogos en línea en los que se puede hacer zoom sobre la imagen; y para eso necesitas objetivos muy nítidos.Cualquier lente mejora su rendimiento cuando su diafragma se cierra por encima de f6.3, pero solo los mejores alcanzan el detalle que vemos en grandes ampliaciones. Aunque se usan algunos lentes zoom de alto rendimiento, como el 16-35mm L y el 24-70mm L de Canon, lo más común es usar lentes fijos, como un 85mm o 135mm para primeros planos, un 50mm para planos medios, y un 28mm para cuerpo entero. Otra ventaja de los lentes de distancia focal fija, es que estos suelen alcanzar el rendimiento suficiente para estudio a aperturas menores, como el 50mmf1.4 del que les hablé ayer.

*3. Un fondo sin fin. Gramaticalmente no tiene sentido, pero fotográficamente es el rasgo característico de cualquier estudio. Se trata de un fondo curvo que hace las veces de pared y piso, sin que se perciba unión alguna. En los estudios más grandes se montan rampas permanentes, pero muchos profesionales prefieren lonas o grandes pliegos de papel, ya que son portátiles, más baratos, y fáciles de lavar o reemplazar. El más usado es el de color blanco, ya que facilita el procesado de las imágenes, pero los hay de todos los colores y tamaños, de acuerdo al encargo fotográfico.

4. Las luces de estudio son básicas, ya que si tenemos lentes trabajando con pequeñas aperturas para obtener su mejor rendimiento, necesitaremos luz extra. Pero no desesperes, que no tienes que comprar 3 o 4 flashes de 500w cada uno.Para comenzar, basta con 2 o 3 *speedlites (los flashes que se montan sobre la cámara), bien distribuidos y optimizados con accesorios como softboxes, sombrillas, snoots o beauty dishes. Ya hemos hablado un poco de equipos de iluminación hace unos días, pero te hará falta nuestro último consejo…

*5. Domina la luz, porque después de todo la fotografía se trata de eso. En el estudio es lo más importante, ya que contamos con dos, tres o más fuentes de luz de distinta intensidad y características, que debemos mezclar para obtener un resultado agradable y/o expresivo. Para alcanzar esto, debes hacer dos cosas:

• Practica todo lo que puedas. Busca amigos, familiares y conocidos, y haz sesiones que te sirvan para experimentar con distintas configuraciones de luz. Es mejor si no todos tus modelos son bonitos, ya que así aprenderás a usar la luz para encontrar “el mejor ángulo” de cada persona.
• Lee manuales y mira fotos para que aprendas del trabajo de otros. No tienes que volver a inventar la rueda. Esto no quiere decir que pasarás tu carrera como fotógrafo copiando a otros, si no que todos comenzamos por estudiar y repetir lo que funcionó antes.

OBJETIVO SUCIO ??

Si bien siempre evangelizamos acerca de la limpieza del sensor y es una pregunta recurrente en nuestro consultorio, no todo tiene que ver con la cámara. Es verdad, una cámara con pequeñas partículas de polvo sobre el sensor puede causar grandes dolores de cabeza y supone unas manos muy calmas para limpiarlo o unos días sin ella, pasando de mano en mano en el servicio técnico.

Pero el polvo y la suciedad en general no discrimina y puede atacar tus lentes. Ya hemos revisado algunas veces el tema de si la suciedad en las lentes afecta o no la calidad de las imágenes y la conclusión final era que no. Diversas pruebas que comenzaron con pequeños pedazos de cinta sobre el elemento frontal hasta la remoción completa de este concluía que el efecto era bastante menor e imperceptible, tanto como para continuar utilizando la lente sin preocuparse por como afecta esta a la imagen.

Resulta que a fin de cuentas, si hay un efecto mínimo y detectable en las imágenes, aunque solo en ciertas condiciones especificas y en ciertas lentes determinadas. Una discusión de Reddit fue lo que disparó esta cuestión, con la siguiente imagen, preguntando si los pequeños puntos oscuros se debía a suciedad en el sensor:

Pues resulta que no, el sensor se encontraba limpio. El problema era la lente. Pequeñas partículas de tierra estaban depositadas en los elementos frontales y traseros de esta y solo se manifestaban a grandes aperturas, exclusivamente en el bokeh de la imagen. Esta es la única manifestación que la suciedad en la lente puede tener, en lentes de grandes aperturas y en situaciones de desenfoque muy grandes, completamente opuesta a la del sensor (que solo aparece a aperturas muy pequeñas). ¿La solución? Una buena ráfaga de aire con un pequeño compresor. Esto desplaza cualquier partícula rebelde y permite la formación de un bokeh completo, redondo y sin puntos negros.

BUENA FOTOGRAFÍA DE NOCHE

La fotografía nocturna es uno de esos tipos de fotografía que admiten muchas variantes pero que necesitan de mucha práctica y un conocimiento mucho más profundo de nuestra cámara que la captura de otras imágenes. La apertura, el tiempo de exposición y la sensibilidad tienen que estar absolutamente bajo control y eso es lo que nos hará a todos pequeños maestros en el arte de la fotografía nocturna.

Lo primero de todo, hay que tener en cuenta que con aperturas más pequeñas conseguiremos un efecto en las luces similar a los rayos de una estrella (algo que también se puede hacer con programas de edición) y los puntos de luz tendrán un efecto más nítido, así que es una buena opción ya que aunque tengamos que compensar la exposición aumentando la velocidad de obturación, tenemos un trípode que nos ayude.

El trípode, por otra parte, es fundamental, ni las cámaras con más sensibilidad pueden lograr hacer una buena fotografía nocturna sin trípode. Si además de trípode disponemos de un control remoto mucho mejor, pues así evitamos cualquier trepidación si estamos trabajando en modo B.

Es recomendable hacer varias pruebas con la sensibilidad para saber hasta dónde podemos llegar sin tener ruido en la imagen. Personalmente, creo que a partir de 400es algo arriesgado, pero siempre existe la posibilidad de ir compensando unos y otros valores hasta alcanzar el equilibrio. Lo que nunca haría es sacar ruido pensando en reducirlo con posterioridad, pues se eliminan muchos detalles que en la fotografía nocturna pueden ser imprescindibles. Del mismo modo, convendría apagar lareducción de ruido de nuestra cámara, puesto que también reducirá detalles.

La apertura de diafragma aconsejable está entre F8 y F16, aunque dependerá de cuál sea el motivo de nuestra fotografía. Por otra parte, el balance de blancos es realmente importante: si estás disparando imágenes en las que haya luces (de ciudad, automóviles, edificios, puentes…) estará bien la luz incandescente +3, aunque eso conviene regularlo una vez que nos encontremos en el lugar de la sesión.

Una última advertencia: si estás tomando fotos de calles iluminadas, automóviles, o skylines de ciudades es recomendable retirar el filtro UV de la lente, puesto que puede causar brillos o una finísima bruma que estropearán tu foto.

Ahora sólo nos queda armarnos de paciencia, abrigarnos bien si hace frío y disfrutar de la sesión.

Beatriz Jiménez

ILUMINAR TUS RETRATOS

Ante Todo, Evita La Luz Frontal

Recuerda que, cuando te hablamos de los muchísimos beneficios que te ofrece un flash externo, uno de los más importantes que destacamos fue el de poder dispararlo desde una posición distinta a la de la cámara.

Esta características es fundamental y, en la medida de lo posible, trata de hacer uso de ella siempre que puedas. Los resultados que ofrece una toma con iluminación de flash frontal y disparado desde la misma posición en que se encuentra la cámara no son nada buenos.

Por supuesto, hay veces que no te queda más remedio. Pero, si puedes, separa el flash de la cámara. Evitarás reflejos, ojos rojos, sombras mucho más irreales y, en definitiva, un resultado nada natural.

Luz Frontal No, Vale. ¿Desde Qué Posición Ilumino Entonces?

Bien, ha quedado claro que hay que procurar separar flash y cámara, pero una vez separados, hay muchas posibilidades a la hora de colocar el flash, ¿verdad?

Pues vamos a hablar de 5 posibilidades, destacando sus características. Así que, presta atención y toma nota para poder ponerlo en práctica.

#1 Rembrandt Light

Este modo de iluminación busca conseguir un resultado similar al que caracteriza a los retratos del genial pintor.

Pero, ¿qué tienen de particular sus retratos? Pues, muy sencillo, presentan una parte del rostro claramente iluminada y otra más en penumbra (apareciendo un pequeño triángulo de claridad bajo el ojo de esta parte menos iluminada).

El cómo conseguirlo es muy sencillo, hay que situar la fuente de luz a unos 45º de la cámara, que se posicionará frente al sujeto a retratar. A 45º, pero en la otra dirección de la cámara, se podrá situar un reflector.

#2 Split Light

Si llevamos al extremo el modo de iluminación anterior, es decir, situando la fuente de luz a 90º de la cámara y, por tanto, completamente en el perfil del sujeto a fotografiar, conseguimos el modo split light.

Este modo recibe este nombre porque la palabra split en inglés significa partir / dividir y eso es, precisamente, lo que se consigue con esta iluminación, partir al sujeto en dos: la mitad de la cara completamente clara y la otra mitad en penumbra.

Se trata de una iluminación muy dramática, que puede ser útil si lo que buscas es, precisamente, transmitir esta sensación.

#3 Broad Light

El tercer modo de iluminar retratos es a través de la denomida broad light, que es una mezcla entre los dos modos anteriores.

En este caso, la luz se sitúa a 45º de la cámara, como en el modo Rembrandt, pero la cara del sujeto a retratar se gira 45º en sentido opuesto.

De este modo, se expone claramente un perfil de la cara, y el otro queda oculto, confiriendo a la toma una mezcla de belleza e intriga.

#4 Butterfly Light

El curioso nombre de este modo de iluminación viene de la sombra que se genera bajo la nariz del sujeto retratado, en forma de mariposa(butterfly).

Para conseguirlo, basta con situar la fuente de luz enfrente del sujeto, pero en lugar de hacerlo a la misma altura que la cámara, el flash ha de elevarse, de modo que se consiga una iluminación superior.

Se trata de una posición formando un ángulo de 45º con respecto a la cámara, pero, en este caso, en el plano vertical, no en el plano horizontal como en el caso de Rembrandt light.

#5 Loop Light

El último modo de iluminación que vamos a ver en este artículo es el conocido como loop light, se trata en este caso de un modo intermedio entre Rembrandt y butterfly.

El resultado es similar al del modo butterfly, aunque con las sombras ligeramente curvadas y desplazadas hacia el lado opuesto al de la fuente de luz.

Para lograrlo, basta con situar la fuente de luz a 45º de la cámara tanto en el plano vertical, como en el plano horizontal.

¿No Ha Quedado Claro? Mejor Te Lo Explico Con Un Vídeo

Reconozco que los esquemas anteriores pueden no ser suficientemente explicativos, por eso voy a dejarte el vídeo en base al que yo he podido obtener los esquemas anteriores.

Se trata de un vídeo de Jay P. Morgan, que, aunque está en Inglés, será más que suficiente, junto con los párrafos anteriores, para que te enteres a la perfección de cómo funcionan estos 5 modos de iluminación.

Y, si todavía te quedan dudas, que no creo, te dejo también otras dos páginas de apoyo:ProPhotography 101 y Portrait Lighting. En ellas puedes ver ejemplos de los resultados que ofrece cada modo de iluminación, así como esquemas de la colocación del sujeto, fuentes de luz, reflectores, etc.

Ahora Sólo Queda Ponerlos En Práctica

Como suelo acabar mis artículos, ahora es cuando te propongo que pongas en práctica lo aprendido y nos cuentes qué tal te resulta.

También puedes hablarnos de otros modos de iluminación que conozcas y que creas que puede ser de utilidad conocerlos para el resto, etc.

El mundo de la iluminación es apasionante y muy amplio, así que, ya sabes, estamos deseando aprender con tus conocimientos, experiencias y dudas. ¡Compártelos!